La même chose qu’un personnage réel, pardi… mais en plus fort.

En réfléchissant à cette question, je me suis souvenu de mes cours de communication à Bordeaux III. Plus précisément, je me suis rappelé la Pyramide de Maslow. La Pyramide des *besoins* de Maslow. Non, il ne s’agit pas d’un type qui chie toujours au même endroit pour fabriquer des monuments pharaoniques. C’est plutôt une hiérarchisation des différents éléments qui motivent nos actions.

File:Maslow’s hierarchy of needs.svg – Wikipedia, the free encyclopedia via kwout

Abraham Maslow a défini une hiérarchie des besoins à cinq niveaux successifs. Lorsqu’un niveau est atteint, on passe au suivant. Dans l’ordre, du plus important (prioritaire) au moins important (facultatif) : la survie, la sécurité, le bien-être sentimental, la reconnaissance de soi, l’accomplissement personnel.

Quand on imagine un personnage, on définit son apparence physique, sa personnalité… et on doit aussi définir autant que possible les raisons qui vont le faire agir de telle ou telle manière, histoire de créer un être imaginaire mais cohérent. Pas une chimère assemblée de bric et de de broc à partir d’éléments piochés au hasard.

Situer quelqu’un sur la Pyramide de Maslow permet de mieux anticiper sa réaction dans certaines situations. Même si la validité du modèle a été sérieusement mise en doute par la communauté scientifique, la pyramide reste un guide intéressant et salvateur pour qui cherche à donner un peu de sens à l’agitation des personnages secondaires qui bourdonnent autour du protagoniste.

En tout cas, dans l’immédiat, j’ai bien l’intention de demander à mes personnages d’escalader cette pyramide et d’aller aussi haut qu’ils le peuvent, histoire de bien comprendre où ils en sont, dans la vie. Sachant bien sûr que s’ils sont poursuivis par des tueurs à gages en 4×4 qui tiennent des loup-garous en laisse, ils risquent d’être plus proches de la base que du sommet. Car la pyramide est dynamique. C’est à chaque instant qu’il faut se demander où on en est.

On apprend en copiant. La difficulté est de savoir qui copier. Ceux qui ont réussi ? Pourquoi pas ? Ceux qui se sont plantés ? On peut toujours apprendre d’un échec, même de celui d’un autre : ça fait moins mal.

Stan Lee | The Rise and Fall of the American Comic Book via kwout

Jérôme Wicky, confrère scénariste, traducteur de comics et néanmoins ami, m’a mis entre les mains la biographie « non autorisée » de Stan Lee. Après l’avoir gardée au chaud pendant un an, à le feuilleter de temps en temps selon l’inspiration du moment, j’ai décidé de la lire sérieusement une bonne fois pour toute. C’est vrai, quoi, on parle de STAN THE MAN, là. On parle de la légende. On parle de celui grâce à qui PLUS RIEN NE SERA JAMAIS COMME AVANT. On parle de Stanley Martin Lieber, le co-créateur de super-héros aussi fameux que Spider-Man, les Quatre Fantastiques, Hulk ou Daredevil. On parle du père de l’univers Marvel !

« Stan Lee and the Rise and Fall of the American Comic Book », de Jordan Raphael et Tom Spurgeon, est donc une biographie du scénariste de comics le plus célèbre du monde. Dès le début, ils donnent le ton d’un ouvrage qui n’ira pas toujours dans le sens de l’histoire officielle. Pour les auteurs, Stan Lee est à mi-chemin entre Barnum et Disney. Un baratineur qui enjolive la vérité pour raconter des histoires plus efficaces. Stan Lee a imaginé les origines de centaines de super-héros. Il a même inventé la sienne ! Après une jeunesse difficile pendant la « Grande Dépression », le jeune Stanley Lieber passe de boulot en boulot. Sa famille sans le sou n’a pas les moyens de lui payer d’études à la fac. Son oncle Robbie Solomon lui file un coup de main pour entrer comme assistant (homme à tout faire) au service de Joe Simon et Jack Kirby chez Timely Comics…

Je dois encore lire le bouquin mais je sens que ça va être passionnant. Et maintenant, assez parlé. Excelsior !

J’ai lu “How to Create Comics : from Script to Print” par Danny Fingeroth et Mike Manley, respectivement rédacteurs en chefs des magazines “Write now!” et “Draw!” et scénariste et dessinateur de comics (notamment, ensemble, sur la série Darkhawk publiée par Marvel dans les années 90).

Voici cinq points importants à retenir de cette lecture agréable mais pas révolutionnaire :

1. L’importance du brainstorming pour trouver des idées qui font mouche : un bon moyen d’innover consiste à prendre ses deux idées préférées et de voir si on peut les combiner.
2. Pour trouver l’inspiration, tenez-vous au courant des sujets brûlants de l’actualité. Ou mieux : faites de la prospective pour découvrir avant tout le monde ce qui sera demain sur toutes les lèvres. Ne suivez pas la mode : faites-la !
3. Pour convaincre un éditeur de publier votre travail, n’utilisez pas les mêmes arguments que si vous rédigiez une publicité pour convaince un lecteur d’acheter votre bouquin. En gros, vous devez révéler à l’éditeur toutes les surprises que vous voulez au contraire cacher à votre lecteur.
4. Un personnage ne se définit pas par ce que vous dites de lui mais par ce que vous lui faites faire. Et surtout, un personnage se révèle à travers les conflits que vous lui faites vivre. Plus le conflit est grand, plus on en apprend sur le personnage.
5. Même quand on n’en a pas l’intention, une histoire contient toujours un thème, une idée directrice, une morale. Et la meilleure des choses à faire quand on termine un premier jet d’écriture, c’est de reprendre son histoire pour s’assurer que l’intrigue principale et ses sous-intrigues entrent bien en résonance autour du même thème.

J’ai reçu en cadeau de Noël plusieurs ouvrages dédiés aux bédéastes. Je viens de finir la lecture de “Concevoir et réaliser une B.D.” écrit par Mike Chinn, traduit et adapté (enrichi, devrais-je dire) par l’incontournable Jean-Paul Jennequin, et publié par les éditions Eyrolles. Dans la vie, on apprend toujours et la formation continue, ça existe aussi pour les auteurs de bande dessinée.

L’auteur y aborde des notions de bases indispensables à la création d’une BD. Ou d’un comic book, en l’occurrence. En dehors des points évidents, Mike Chinn propose quand même quelques conseils utiles. Voici mes cinq préférés dans la liste qu’il établit.

1. Gare aux découpages audacieux qui nuisent à la bonne lecture d’une planche de BD. Avant toute considération esthétique, l’objectif primordial de la narration graphique est de raconter une histoire.
2. Une astuce pour diriger le regard du lecteur dans la direction souhaitée : la direction du regard d’un personnage au premier plan d’une vignette induit la direction du regard du lecteur.
3. Lors de la création des personnages d’une intrigue, l’auteur doit s’interroger sur leur identité. Qui sont les personnages ? Qu’est-ce qui les fait réagir ? Quels sont leurs buts ? Pourquoi le héros fréquente-t-il le supporting cast ?
4. Quand on utilise plusieurs personnages dans une histoire, il est souhaitable d’élaborer une fiche de suivi de chacun de ces personnages : apparence physique, relations avec les autres personnages, évolution au cours de l’histoire…
5. Pour conclure, l’auteur nous propose enfin sa définition du pitch BD idéal pour séduire les maisons d’édition. D’abord, la description de l’ambiance (citer des films, des séries TV ou des bandes dessinées de référence). Ensuite, une présentation brève et efficace du personnage principal (on revient sur la question de son identité). Puis, une présentation du double effet Kiss Cool de l’intrigue (ce qui va accrocher le lecteur). Des indications sur le type de narration envisagée (utilisation de flash-back…). Enfin, finir avec des questions qui piqueront la curiosité de votre premier lecteur (l’éditeur de BD potentiel) et lui donneront envie d’en savoir plus. Attention tout de même à bien répondre à ces questions dans la suite du dossier (synopsis, etc.) que vous comptez remettre à l’éditeur.

Un ouvrage à lire pour les fans de BD qui se demandent comment on fait pour en fabriquer une. Un peu léger pour celui qui pratique déjà. Personnellement, c’est surtout l’aspect pédagogique qui m’a intéressé. Savoir comment présenter ma propre activité professionnelle, c’est un défi permanent.

Suite et fin de la rencontre avec le cyber-écrivain Thomas Debelle du “Blog around the Corner”… Dans l’épisode précédent, Thomas nous racontait qu’il adorait écrire pour les enfants, notamment sa propre fille !

EFDLT : En gros, ta fille est ta première lectrice. Enfin, c’est à elle que tu racontes tes histoires en premier ?

Thomas DEBELLE : Concernant une série particulière des livres pour enfants que j’espère voir publier un jour, oui ! Après il est clair que mes écrits Cyberpunk regorgeant de stupre et de luxure, le tout dans un univers aussi glauque et nécrosé, est un domaine que j’évite soigneusement pour le moment. Mais pour en revenir aux livres pour enfants, outre le fait que c’est un domaine fascinant, il est clair que l’imaginaire de mes enfants est une source d’inspiration presque inépuisable. Ainsi ma fille est directement à l’origine de certaines thématiques liées à ses propres questionnements ou peurs (les monstres du soir, le partage, la confiance). J’apprécie autant d’écrire pour les enfants que pour les adultes, sachant que mon idée a toujours été d’écrire d’abord pour moi. Et si d’aventure j’arrive à toucher des lecteurs qui se retrouvent dans mes univers, alors c’est sans doute là que réside le Graal de l’écrivain.

EFDLT : Tu publies certaines de tes œuvres sur le net. Je pense notamment au premier chapitre de ton roman “Mémoire Morte” ou à d’autres nouvelles qui se situent dans le même univers. C’est pour mieux toucher tes lecteurs, justement ? Je veux dire : c’est pour établir un lien plus direct avec eux ?

Thomas DEBELLE : L’idée directrice est surtout de voir si j’ai des lecteurs ! Pour le moment j’ai énormément de lecteurs anonymes via les magazines dans lesquels je travaille. Ce que je veux dire par là, c’est que “mon écriture” touche déjà un vaste lectorat, mais qui ne me connait pas du tout ou simplement comme le journaliste qui a signé un papier sur Alien, Punisher ou Le Prisonnier. Sachant que le monde de l’édition est aussi impitoyable que celui de Dallas, je suis parfaitement conscient que parvenir à se faire éditer est un véritable parcours du combattant. En outre je peux aussi n’avoir aucun talent d’écrivain, ce que je n’espère pas. Enfin (et surtout) je sais que parvenir à se faire éditer est aussi une affaire de chance : chance de proposer le bon récit au bon moment et à la bonne personne. Pour mémoire, J.K. Rowling a mis 7 ans avant de vendre Harry Potter, non sans essuyer de très nombreux refus (Disney ayant même refusé de produire les films malgré le succès en libraire car jugeant la saga trop anglaise !). Et les exemples de cet acabit sont légions (Truismes pour n’en citer qu’un autre).

Puis je me suis dit que le net était un véritable espace vierge de liberté, que de nombreux chanteurs ou cinéastes amateurs utilisaient la toile pour promouvoir leur travail, et qu’il y avait peut-être moyen de rencontrer un lectorat en publiant certains de mes écrits en ligne. Étant donné que j’avais déjà mon blog que j’ai rapidement développé jusqu’à en faire un site Internet fonctionnant à la manière d’une fenêtre ouverte sur mon univers personnel, je me suis dit que je pouvais publier un truc en ligne et voir les réactions.

D’ailleurs je profite de l’occasion pour faire une parenthèse sur le sujet de l’interaction avec les internautes qui, dans le cadre d’un blog, est très très très difficile à mettre en place. Après plus d’un an d’existence, j’ai parfois le sentiment d’être un peu seul sur mon blog. Mais je pense que c’est le lot de nombreux blogs et la conséquence d’une explosion du phénomène…   Parfois un peu démoralisant – et causant l’abandon et la fermeture de nombreux blogs – mais je ne compte pas baisser les bras car ça m’éclate pour le moment.

Pour en revenir à mes romans en ligne, j’espère qu’ils me permettront effectivement de toucher des lecteurs, d’établir un lien plus direct avec eux et peut-être demain d’avoir la chance de trouver un éditeur et le chemin des librairies, et ce même si je pense continuer à publier des choses en ligne durant de longues années.

EFDLT : Tu dis que tu es sur le net pour faire ta promo. Dans ce cas, pourquoi brouiller ton image avec un pseudo ?

Thomas DEBELLE : Non je ne suis pas vraiment sur le net pour faire ma promo, mais plutôt pour partager avec d’autres mes écrits. Après il est évident que l’idée est de me faire connaître et de rencontrer un éditeur, le net devenant une vecteur de communication supplémentaire pour… ah ben si pour faire ma promo ! Ouais mais j’aime pas ce terme car on dirait que j’ai un truc à vendre, alors que je ne veux que partager ce que je fais (pour le moment, je ne dis pas que demain je ne voudrais pas partager ce que je fais contre de l’argent pour continuer à faire ce que je fais justement !). Bref laissons-là ses élucubrations sémantiques pour en venir à ta vrai question concernant le pseudo. Mes romans sont bien signées par mon nom – Thomas Debelle – il n’y a que sur mon blog que je signe “Bree”, sachant qu’il y a des liens immédiats vers mes romans et nouvelles que je signe donc de mon vrai nom. En outre il y a un lien vers une fiche wikipédia sur les sites de romans, ce qui fait que n’importe qui peut savoir que l’auteur du Blog Around The Corner, c’est moi. Mais comme je le faisais à l’époque du Burton’s Club en radio où je me faisais appeler Burton, l’idée du pseudo permet aussi d’installer une sorte de distance imaginaire : tu n’as plus en face de toi Monsieur Dupont, mais une sorte de concept qui permet d’entre plus facilement dans l’univers proposé. Cependant pour mes romans, je signe de mon nom car c’est bien sous mon nom que je veux que ces livres soient un jour publiés. Et s’ils ne le sont jamais, ils le seront malgré tout sur la toile sous mon vrai nom … Enfin je n’ai pas de prétentions égocentriques, bien au contraire, pour vivre heureux, vivons cachés et un peu parano ! Mon unique ambition c’est de pouvoir vivre de mon écriture et d’être payé pour faire ce que j’aime. J’y arrive déjà en partie grâce à mon métier, si je pouvais ajouter la littérature en complément se serait idéal.

EFDLT : D’ac. En guise de conclusion, aurais-tu un conseil d’écriture à donner à ceux qui voudraient se lancer dans la rédaction d’une nouvelle, par exemple ?

Thomas DEBELLE : Je crois qu’il n’y a pas vraiment de secret, c’est avant tout une question d’envie, de besoin et de passion. Ecrire réclame une certaine discipline personnelle car il n’est pas rare qu’une session d’écriture n’aboutisse à rien de bon, du moins sur le moment. Mais même dans ces cas-là, il est important de continuer à écrire pour entretenir son imaginaire et sa plume. Il faut donc écrire souvent, le plus souvent possible pour voir son écriture évoluer, s’affiner au fil des ans. Et même si ce que vous écrivez n’est pas bon ou structuré, l’important est d’abord de satisfaire son envie de mettre par écrit des histoires. Après le talent c’est un autre débat sur lequel je n’ai pas vraiment d’avis, les goûts et les couleurs variables d’un individu à l’autre. Et quand on a la chance, comme toi et moi, de pouvoir vivre de notre soif de raconter des choses, l’exercice d’écriture devient vraiment fascinant, sachant que toi tu as clairement réussi ton pari à la force des petits bras musclés puisque tu es désormais un auteur accompli et publié… ce qui n’est pas encore mon cas en dehors des magazines dans lesquels je travaille.

Merci pour entretien et à très vite j’espère beau gosse !

EFDLT : Et il est modeste, en plus ! Merci, p’tit gars. Tu as raison : écrire tous les jours. Je vais essayer ça, tiens…

Retrouvez la première partie de cet entretien ici : cyber-romancier.

Et la deuxième partie ici : écrivain 2.0.

Suite de la rencontre avec le cyber-romancier Thomas Debelle du “Blog around the Corner”… Dans l’épisode précédent, Thomas nous expliquait que pour écrire un scénario, la première étape était de définir un point de départ (A) et un point d’arrivée (B).

EFDLT : Et comment fais-tu pour aménager des moments forts sur le chemin qui mène du point A au point B ?

Thomas DEBELLE : Étant donné que je n’ai aucune idée du déroulement exact de l’action au moment où je commence à écrire, il est assez simple de ménager des rebondissements et autres surprises, chaque nouvelle session d’écriture étant une sorte de nouveau départ. Comme je le précisais précédemment, je sais d’où je pars et où je dois arriver, et je connais les étapes narratives indispensables pour que l’intrigue reste fluide et évidente. Ces étapes peuvent être considérées comme des moments forts, auxquels s’ajoutent tous les petits rebondissements dont je parle qui eux sont le fruit du fait que j’ai la structure générale, sans qu’elle soit trop détaillée pour autant. Par exemple si mon point de départ est un joueur de saxo sur le déclin et que mon point d’arrivée (ma conclusion quoi) est qu’il finit par se laisser digitaliser, ce qui entraîne sa mort physique, mais lui offre une sorte d’immortalité puisque ce faisant il devient un joueur de saxo holographique pour les bars à la mode, cette version étant identique tant sur le plan physique qu’au niveau de son répertoire et de sa manière de jouer. Nous avons là notre point A et notre point B. Reste à définir les étapes qui vont de ce joueur sur le déclin en quête de reconnaissance et ce qu’il devient au final, soit un homme qui accepte de mourir pour devenir un simple hologramme utilisé dans les bars. Il faut alors répondre à diverses questions : pourquoi est-il sur le déclin ? Quelles sont ses aspirations ? Comment découvre-t-il l’existence de ce programme ? Pourquoi est-il intéressé par cette option ? Etc. Après tout ça, la rédaction peut débuter et je n’ai aucune idée de ce qui va se passer, ni où, ni comment, ni avec qui, à l’exception de mes personnages principaux définis dans le plan général et de mon intrigue. Après, tout ce qui est périphérique à tout ça (lieux de l’action, dialogues, personnages secondaires, événements d’arrière-plan, descriptions) est le fruit de mon imagination au moment de l’écriture. Parfois ça fonctionne, parfois je dois reprendre un même passage plusieurs fois jusqu’à trouver le bon rythme et le bon décorum.

EFDLT : Bien. Et comment tu fais pour enrichir tes univers de détails réalistes ? Tu écris d’abord sur ce que tu connais ou tu te renseignes sur ce qui te donne envie d’écrire ?

Thomas DEBELLE : Les deux mon général ! En fait comme tout “geek” (terme décidément très en vogue ces derniers temps), j’ai la chance de m’intéresser à énormément de sujets : comics, cinéma, BD, littérature, politique, géographie, cultures diverses, jeux de rôles ou vidéo, création numérique et nouvelles technologies … j’ai le sentiment que mon champs d’intérêts est sans fin et s’alimente quotidiennement de nouveaux domaines. Cette immense curiosité propre à tous les geeks, me permet de partir à la découverte de moult sujets qui deviennent autant de sources d’inspiration. Donc oui : la base de mon travail est composée de ce que je connais. Mais je ne me ferme aucune porte et je note beaucoup beaucoup de choses sur des sujets aussi variés que la publicité, l’économie, la vie quotidienne, les évolutions techniques ou humaines, tout ce qui peut m’apporter de la matière. Enfin lorsque j’arrive sur un terrain que je ne connais pas, mais que je souhaite explorer ou mettre en scène, alors je fais plus que me renseigner (ce qui est sans doute aussi une déformation professionnelle du fait que je suis journaliste) et je lis des bouquins, je vais à la rencontre de personnes qui sont initiées, etc. Du fait que mon univers cyberpunk soit si proche et fidèle à ce que pourrait devenir le nôtre dans quelques années, je suis obligé d’avoir une certaine connaissance de ce qui se fait et de comment cela pourrait évoluer. Par contre, lorsque j’écris des choses plus contemporaines ou de la fantasy, la démarche est un peu différente. La fantasy par exemple me fait plutôt me tourner sur l’Histoire et la mythologie, avec une bonne dose d’imaginaire… Enfin, les livres pour enfants que j’écris se reposent principalement sur mes propres souvenirs et mes peurs d’enfants, les thèmes que souhaitent me voir développer mes enfants dans les histoires que je leur raconte, etc.

EFDLT : Ouah ! T’écris des livres pour enfants ?!

Thomas DEBELLE : Comme je te le disais précédemment, mon champ d’activité est assez étendu puisque je suis un fan absolu des productions Disney (dont l’exceptionnel et indispensable Belle au Bois Dormant), tout en étant un spécialiste du gore et de l’horreur (je travaille pour l’Ecran Fantastique depuis des années maintenant). Alors c’est vrai qu’en lisant mes écrits cyberpunk-glauques et souvent torturés pour ne pas dire névrosés, il est difficile de penser que j’écris aussi des comédies romantiques et surtout des livres pour enfants.

J’ai commencé ces derniers il y a une dizaine d’années. A l’heure actuelle j’ai trois séries en développement, et je suis évidemment à la recherche d’un éditeur et même d’illustrateurs ! Deux séries ont des ambitions pédagogiques ou éducatives, l’idée étant d’aider les enfants (et les parents) à surmonter certaines difficultés des petits. A titre d’exemple, je travaille en collaboration avec ma femme, qui est orthophoniste, sur une série abordant les problèmes du langage. Enfin la troisième série s’inscrit dans la veine des Contes des 1001 Nuits en mettant en scène un personnage récurrent à qui il arrive toutes sortes d”aventures extraordinaires (ma fille adore ces histoires et c’est souvent elle qui me trouve les thèmes qu’elle veut que j’aborde). J’adore écrire pour les enfants – ce que je fais souvent en presse – car c’est un public fascinant dont je me sens très proche …

Suite et fin de cet entretien dans un prochain billet !

Entretien avec Thomas Debelle, écrivain, journaliste et chroniqueur.

Thomas Debelle : écrivain 2.0

En Français Dans Le Texte : Alors… la première question qui me vient à l’esprit, c’est celle de ton identité. Quand je t’ai connu, tu t’appelais Thomas Debelle et tu vendais des comics à l’Antre des Dragons. Et sous un autre nom, tu animais une émission de radio sur Campus FM…

Thomas DEBELLE : Effectivement à l’époque où nous nous sommes connus, je bossais dans le comic-shop bordelais et j’animais le Burton’s Club sur Radio Campus sous le pseudonyme de Burton. Par la suite, je suis devenu journaliste et comme il me fallait parfois signer des papiers dans des canards étranges ou simplement qui imposaient aux rédacteurs l’utilisation d’un pseudo, je suis aussi devenu Edward Carter et Kirby (ce dernier étant une référence au maître Jack que j’adore).

Puis lorsque j’ai décidé de me lancer dans l’aventure blogosphère, j’ai opté pour un pseudo féminin : Bree ! Le choix me semblait étrange et je ne pourrais pas l’expliquer avec certitude. Mais je pense que cette soif d’utiliser des pseudos est une réminiscence de mon enfance quand j’aimais à me déguiser en Zorro et autres. Il y a sans doute, là aussi, une explication de ma passion pour les comics depuis plus de 20 ans, dans cette habitude qu’ils ont d’utiliser des identités secrètes… Le fait est que pour les romans et nouvelles que j’écris, tout comme pour la grande majorité des articles que je signe aujourd’hui, je signe bien Thomas Debelle.

EFDLT : Alors… articles, nouvelles, roman. T’es un vrai écriveux. Qu’est-ce qui te motive pour prendre la plume ou chauffer le clavier ?

Thomas DEBELLE : Depuis que je suis tout gosse, j’écris des histoires et j’en invente encore plus. Je suis né en 1973 et j’avais donc une dizaine d’années dans les années 80. Comme beaucoup d’entre nous, j’ai donc grandi dans une société où le ludique était en train de prendre une place (qu’il a rapidement perdue dès la génération suivante). Mais pour ce qui est de la nôtre, nous avons grandis avec Récré A2, Temps X, Star Wars (et plus largement le cinéma à grand spectacle), les Livres dont VOUS êtes le Héros et autres JdR, les comics, les premiers jeux vidéo, bref tout un univers vaste, étendu et forcément propice à l’imagination. Pour ma part j’ai toujours aimé me raconter des trucs ou que l’on m’en raconte ! Aujourd’hui encore, je ne suis pas contre un petit Guerre des Étoiles raconté par Dominique Paturel en 33 tours ou un Aristochats par Louis de Funès !

Tout ça pour dire que la motivation principale de mon écriture tient dans l’envie de raconter des histoires, de faire vivre des personnages, de m’évader dans un monde dans lequel je me sens bien. Le fait que je sois journaliste est une simple continuité de tout cela puisque je peux écrire (je ne m’en lasse pas) et j’arrive – tout comme toi – à combiner ma vie professionnelle et mes passions puisque je travaille essentiellement pour de la presse ciné, télé, geek ou encore créa numérique. Et malheureusement pour moi, je crois que je ne suis pas doué pour faire grand chose d’autre (ce qui ne veut pas dire que je le sois pour l’écriture !). Mais je ne me vois pas faire autre chose dans la vie, alors je prends la plume et chauffe le clavier parce que c’est là que réside la porte de mon imaginaire.

EFDLT : Et une fois que tu y es, dans ton imaginaire… tu fais comment ? Comment tu inventes une histoire, par exemple ?

Thomas DEBELLE : Je procède presque systématiquement de la même manière. Mon point de départ est en réalité mon point d’arrivée (B) ! Ainsi je pars de la conclusion d’une histoire que je souhaite raconter, autant dire que mon histoire pourrait se résumer en deux lignes. Une fois cette fondation posée, je développe toute une intrigue autours de ça et surtout, je trouve assez vite un vrai début, un point de départ (A).  Ensuite, je mets en place les étapes qui vont me conduire du point A au point B, des sortes de points de passage obligatoires autour desquels va s’articuler le récit. Il ne me reste plus qu’à remplir les blancs en me laissant guider par mon inspiration et mon état d’esprit au moment de l’écriture. Du coup je ne sais pas ce qui va arriver à mes personnages ni où ni comment, ce qui me permet d’être totalement libre en termes de créativité, d’innovation et de surprises : je peux faire ce que je veux ! Cette méthode me permet de ne pas me sentir englué dans un carcan précis : je sais d’où je pars, je sais par où je dois passer et je sais où j’arrive, le reste c’est du bonheur d’écriture et de l’imaginaire…

La suite de cet entretien dans un prochain billet !

Vous cherchez une bonne source d’inspiration pour écrire un scénario de BD (ou de tout ce que vous voulez : série TV, film, roman, attentat terroriste…) : ouvrez les yeux ! La réalité. La vraie vie. La voilà, la source numéro 1 des bonnes idées d’histoires.

BBC News | AMERICAS | Nuclear bomb ‘lost near Greenland’ via kwout

Tenez. Les Américains ont “égaré” une bombe nucléaire. Quoi ? Oui. Tenez-vous bien : les Américains ont *égaré* une bombe nucléaire. Où ça ? Au Groenland. Quelque part sous la glace.

La pêche à la bombe nucléaire... c'est pas un super pitch de BD, ça ?

Alors, certes, c’était pendant la Guerre Froide, en 1968. Mais on s’en fout. Les possibilités sont infinies : on place notre histoire à l’époque et hop, le tour est joué. Ou on la place maintenant et hop, c’est encore plus rigolo. Tout est possible, dans la BD. C’est encore mieux qu’à la télé parce que le budget pour faire des scènes dans les glaces du Groenland est le même que pour un monologue dans une cuisine de HLM.

Un truc rigolo à propos de la télé, c’est un article que je viens de lire sur ces séries TV qui ont “prédit l’avenir”. En gros, des cas typiques où la fiction dépasse la réalité. Ou l’inspire.

Ils avaient prédit le scénario des attentats du 11 septembre 2001... ou presque !

Par exemple, dans le premier épisode de ce spin-off des X-Files, qui surfe à fond sur la théorie de la conspiration, comme sa grande sœur, nos héros déjouent un complot qui vise à faire percuter les tours du World Trade Center par un avion… 6 mois avant que ça se passe dans la vraie vie.

Dingue, non ?

Et voilà, même les meilleurs choses ont une fin. J’arrive au bout de mon réservoir de questions. Je profite de l’occasion pour vous inviter à le remplir. Comme ça, j’aurai pas à réfléchir trop fort pour mes prochains billets. Merci d’avance.

On me pose donc la question suivante :

Si j’ai une chance d’enfer et que mon projet fonctionne, éditeur et tout et tout… comment ça se passe pour les tomes suivants ? Aurai-je un temps limité ?

Très bonne question. Quand on parle de “tomes suivants”, c’est qu’il s’agit d’une série. Et si c’est le cas, c’est probablement stipulé dans le contrat initial encadrant la sortie du premier tome.

Déjà, ce contrat contient très probablement une clause dite “de préférence” qui précise que vous devez publiez votre tome 2 chez le même éditeur que pour votre tome 1. Ensuite, tout dépend de l’éditeur et du pari qu’il a envie de faire sur vous. Un contrat peut ne concerner qu’un seul tome (eh oui, la clause de préférence encourage l’éditeur à ne pas signer le tome 2 avant de recevoir les chiffres de vente du tome 1) ou plusieurs.

Quoi qu’il en soit, que ce soit pour un ou plusieurs volumes, des dates sont indiquées sur ces contrats. Globalement, elles n’ont de la valeur que si vous avez envie de les respecter. En effet, il n’est pas rare qu’un éditeur s’asseye sur un bouquin qui est “fini” depuis longtemps en attendant la meilleure opportunité pour le sortir. De même, un auteur dont la relation avec un éditeur se détériore peut décider de donner la priorité à d’autres travaux, malgré les dates indiquées sur le contrat. Par exemple, lorsqu’un éditeur ne paye pas, les auteurs sont bien obligés de bosser ailleurs.

En conclusion : si ça se passe bien, ça se passe bien. Et sinon… c’est l’aventure !

On me demande des renseignements concernant la pagination et le découpage d’une bande dessinée :

Mon histoire se déroule en plusieurs tomes, et je ne suis que sur le 1er, bien entendu. Ai-je un nombre de pages limité imposé ? Qu’en est-il du nombre de cases par pages ?

Il y a deux façons de déterminer un nombre de pages pour une BD : les besoins de l’histoire et les besoins de l’éditeur. En tant que scénariste, vous devez raconter une histoire “qui se tient” pendant que l’éditeur doit rassembler un nombre de planches “publiables”. En gros : il faut assez de planches pour raconter *au moins* la première partie de l’histoire, et assez de planches pour “fabriquer” un album de BD (et attention : “assez”, ça ne veut pas dire “trop”).

Ensuite, tout est affaire d’usage et d’opportunité. Les impératifs d’une collection précise peuvent forcer un format obligatoire : taille de planches, nombre des planches pour chaque tome, etc. Par exemple, quand j’ai travaillé sur les premiers épisodes de Zeitnot, prépublié dans le magazine Shogun des Humanoïdes Associés, les contraintes étaient définies par l’éditeur : format des pages, trames noir et blanc, pagination, etc. Tout était joué d’avance et c’était au scénariste de faire en sorte de coller au format prédéfini, en livrant quatre épisodes formatés de la même façon et qui seraient ensuite recueillis en un album “tankôbon” type.

Globalement, la norme et la mode européenne du moment, c’est les grands albums de 24×32 cm. Pour la pagination, ça commence à 46 planches et ça peut aller beaucoup plus loin : 64 ou 80 pages, par exemple. Là encore, il est capital d’observer la collection visée et de s’y adapter. Il y a un format plus petit qui marche aussi très bien.

Proposer un dossier qui correspond aux canons d’une collection de l’éditeur, c’est un peu comme mettre un beau costard pour aller à un entretien d’embauche. C’est une question de forme mais ça prouve que vous prenez cette question au sérieux.

Pour la question du nombre de cases par page, il faut suivre l’usage du créneau que vous démarchez. Globalement, en BD européenne, on peut se dire qu’une grande planche correspond à quatre bandes, soit une douzaine de cases en moyenne. Mais aujourd’hui, on voit de plus en plus de BD développées en 3 bandes, avec des cases plus larges qui font la part belle à l’action, pour une moyenne de 9 par page. Bien entendu, ces chiffres sont à oublier si vous bossez au format comics ou au format manga.

Pour en savoir plus : comment écrire une planche BD ?

Je poursuis ma série de questions / réponses à propos des dossiers BD. On me parle de la situation géographique des éditeurs. Question :

Je vis sur Paris et si je ne trouve pas d’éditeur dans la région, libre à moi de rechercher autour ?

Cadillac via kwout

Héhé. Et les gens qui habitent à Cadillac sur Garonne, ils font comment pour se faire éditer ? Ils ont le droit de chercher plus loin ou il leur faut aussi un éditeur sur place ?

Bien entendu, si aucun éditeur ne veut de votre projet en région parisienne, rien ne vous empêche d’aller voir ailleurs. D’autant qu’en BD, ce n’est pas ce qui manque, les éditeurs en dehors de la capitale. Pour mémoire, Soleil est à Toulon, par exemple.

Il est plus important de cibler un éditeur en fonction de ce qu’il publie qu’en fonction de son adresse postale. Si vous faites de l’heroic fantasy, inutile d’envoyer un dossier à Ego Comme X, par exemple.

Le conseil du jour : analysez les publications et les collections des éditeurs. Rendez-vous régulièrement en librairies pour feuilleter ce qui existe, voire pour acheter des nouveautés. Ou faites des économies, allez dans les bibliothèques. Enfin, faites vous une culture de l’immédiat pour pas cher : regardez l’émission “Un Monde de Bulles” sur LCP.

Un Monde de Bulles via kwout

Une lectrice (oui, c’est toujours plus glamour qu’un lecteur) m’interroge à propos d’un projet BD contenant d’éventuelles scènes dénudées.

Je cite :

[Pour cette BD] mon illustration visera obligatoirement une population “à partir d’un certain âge” (jeunes adultes) sans être hot ni violent mais il y a quelques scènes de nus et récits [...] un peu coquins ! Pensez-vous que beaucoup d’éditeurs me fermeront la porte à cause de cela ?

Sans voir les planches, c’est difficile de donner un avis. Je crois que tout est question de dosage, là. C’est un peu la même frontière invisible et mouvante qu’on retrouve dans ce qui est toléré (ou pas) à la télévision aux heures de grande écoute (oui, inutile de regarder la télé, contentez-vous de l’écouter, vous pourrez ainsi pratiquer d’autres activités en même temps, comme le jardinage, la pêche aux moules ou le fist fucking).

Il y a des scènes plus ou moins chaudes dans de gros succès d’édition comme XIII ou Largo Winch. Je pense que le plus important, c’est de savoir quelle place on accorde à la scène “érotique”. Une chose est sûre, tous les éditeurs n’ont pas une collection capable de recevoir des planches avec des types et des nanas à moitié à poil. Mais la plupart des gros en sont équipés. Il suffit de cibler ses dossiers, c’est comme pour tout.